Ce n'est pas facile de délimiter nettement les différents plans dans un paysage à cause de l'abondance de la végétation ( une colline, du feuillage, des arbres, les conditions atmosphériques etc...).

Peindre de l'eau sous un couvert végétal est un exercice intéressant pour le travail des tonalités vertes, qui s'y reflètent bien que ce soit une couleur relativement froide en peinture (l'association de bleu et de jaune fait fusionner le froid et le chaud). L'apport de la lumière permet de créer toute une palette de teintes qui représente la quasi totalité de la gamme chromatique.

Le dessin : 

Tout commence par le dessin et la composition du paysage. Les lignes de fuite que l'on peut inventer, même si elles n'existent pas (bords du plan d'eau, arbres, etc..) permettent grâce à la perspective d'amener le regard du spectateur vers le centre d' intérêt du tableau.

Lien sur la perspective:
La perspective en vidéo, par laurentsaintgermain

La végétation:

A l'aquarelle, la gomme à masquer est utilisée pour couvrir certaines surfaces que l'on veut laisser en blanc. Avec un pinceau souple ou bien avec une petite éponge ( pour obtenir un rendu naturel) , on effleure et on tapote la surface à peindre, en y déposant en premier, le vert le plus lumineux, puis intensifier la valeur des verts jusqu'à obtenir les zones bleutées dans le feuillage pour accentuer le relief.

L'eau: 

Ce qui caractérise le reflet des objets dans l'eau, c'est cet effet flouté qui est obtenu en humidifiant la surface concernée. Par osmose ou fusion liquide, les couleurs s'entremêlent en les déposant horizontalement avec un pinceau souple, large et humide, il apparaît toute une myriade de teintes diverses obtenues par diffraction des rayons lumineux.

Si nécessaire, foncer certaines zones, humidifier de nouveau après séchage du précédent lavis.

Ne pas oublier d'accentuer le reflet des troncs dans l'eau.

Les troncs:

Ils sont un bon indicateur des différentes proportions des objets et de la profondeur de champ par la perspective qui est créée en fonction de leurs positionnements dans l'espace par rapport à l'observateur et par leur taille.

Techniquement, pour éviter d'obtenir des troncs plats, ne pas utiliser de couleurs pures ombrées ( terre d'ombre ou terre de Sienne ), il faut nuancer la surface de l'écorce par éventuellement l'utilisation de ces teintes diluées qui vont former des irrégularités, en y ajoutant par contraste, du violet ou de l'indigo.

Eviter le noir, préférer un mélange de terre d'ombre, d'indigo et une pointe de pinceau de violet, à la place de cette couleur.

A noter:  Pour l'arrière plan, un vert amande clair ( bleu de cobalt et une pointe de jaune de cadmium) va créer un effet de brume qui atténuera l'intensité visuelle des troncs et de la végétation. Le premier plan aura plus de vigueur.

Le vrai secret réside dans la spontanéité à saisir l'instant éphémère de la naissance des vagues, en créant l'illusion. Placer sur la toile, les valeurs et les couleurs pour surprendre le spectateur en lui faisant croire qu'il voit les déferlantes. Pour ce faire, le rendu de cet effet ne peut être atteint qu'en observant attentivement et longuement le spectacle. D'étudier la position du soleil par rapport à la mer, l'incidence de la lumière. Après une observation attentive, on peut déterminer les lignes directionnelles qui sont nécessaires ainsi que les valeurs, les couleurs, et ainsi de suite. 

Voici l'instantané du spectacle observé. 

Un  papier brun sera le support de la composition.

Peindre le fond entre les vagues et l'horizon. S'appuyer sur ce plan et ces valeurs de couleur, pour entreprendre la réalisation du plan intermédiaire et du premier plan. 

Pour les jeux de lumière qui conditionnent le choix des teintes, des valeurs de pastel pour la création d'une gamme complète de couleurs (on ne peut pas préparer des mélanges, autrement que sur le sujet) il faut s'appuyer sur un instantané en noir et blanc. Les demi-teintes grises créent le volume et le lien entre le foncé et la lumière. 

Comme vous pouvez le voir, le dessin traduit pleinement le mouvement des vagues. C'est parce que les valeurs en N et B, en intégrant la lumière pour élaborer des demi-teintes, que ces références peuvent être transcrites, par la suite, dans les couleurs utilisées. 

L'eau n est pas uniquement le bleu uniforme, mais une gamme infinie de bleu, bleu-vert émeraude, de vert, et ainsi de suite. La superposition au pastel de ces couleurs et de ces teintes est essentielle dans l'illusion recherchée.

Dans l'avancée des vagues les lignes directionnelles sont également essentielles. Dans ce cas, de fortes lignes diagonales contrastent avec des lignes horizontales de la crête.

L'image suivante montre l'utilisation de lignes de contour croisées ...

De la méthode

 La couleur de la peau se prépare à partir de

rouge de cadmium clair,  

de vert clair ou sap green 

de blanc de titane, 

en fonction de la lumière qui éclaire le sujet ou la partie du corps concernée. 

Comment choisir sa couleur complémentaire au pastel ?

Les pastels se présentent sous forme: de bâtonnets, de crayons, de craies ou de poudre (panpastels que l'on travaille avec de petites éponges spéciales). Pratiquement tous les peintres jouent avec la consistance des pastels: durs, tendres ou très tendres. Il est impossible d'obtenir de nouvelles couleurs par mélange sur un support, il est donc nécessaire de posséder une gamme étendue de teintes proposées dans le commerce.

Le pastel sec est une technique idéale de part l'importance de sa gamme de couleurs et par le fait quelle ne nécessite pas de solvant chimique. Le bâtonnet de pastel devient le prolongement de la main qui permet de peindre et de dessiner avec spontanéité, soit en hachurant de traits parallèles plus ou moins rapprochés selon le but final recherché, les sujets ou objets du premier plan. Soit en faisant fusionner les couleurs entre elles avec le doigt ou en estompant les parties colorées des plans plus éloignés, pour créer par exemple l'atmosphère brumeux d'un ciel, d'une côte lointaine  etc...

Les œuvres du pastel enchantent par la luminosité et la force des couleurs, si l'on se contente au maximum de 3 couleurs superposées (de la plus foncée vers la plus claire, de l'ombre vers la lumière).

Cependant le bâtonnet de pastel a une fâcheuse tendance à s'effriter ou à se rompre facilement. La poudre déposée devient vite salissante pour les autres couleurs et pour les doigts. Il faut travailler avec soin, choisir un papier coloré, dont le choix se fait en fonction du sujet, il permet de structurer plus facilement les ombres et la lumière.

* Le dessin est bordé par du papier autocollant pour définir le cadre de travail et délimiter la composition.

* Esquisser au crayon de couleur la côte rocheuse et les divers éléments naturels (mer, ciel, terre).

* Le ciel du coucher de soleil estompé de jaune et rose est ponctué de nuages gris hachurés. 

* Les tâches de couleur d'un vert intense délimitent la partie végétale et herbacée du bord des falaises.

* Le relief des parois rocheuses est mis en valeur par une couleur beige.

* L'ondulation de la mer bleutée, agitée de teintes marines est marquée par la présence de vagues blanches qui déferlent sur la roche déchiquetée.

* Dans les retraits foncés de la paroi rocheuse, on perçoit des tâches froides de bleu outremer.

* Les objets divers: phare, maison, vallonnement de la lande, sont éclairés par une lumière rasante, au soleil couchant, qui fait resurgir les nuances de couleur en illuminant le paysage. 

* A noter, qu'à part l'arrière plan, tout le reste du tableau est structuré par des hachures et des traits de couleur qui définissent ombre et lumière, à partir de l'utilisation de la pointe, des arêtes, et des aplats du panel de craies.

* Eviter la surcharge de couleurs, car le superflu de matière empêche le pastel d'adhérer au support.

* L'ensemble du sujet progresse vers le premier plan, en alternant les teintes sombres et lumineuses, avec des contrastes de plus en plus colorés.

* On peut au final, utiliser ou non du fixatif, pour maintenir les poussières de couleurs .   

Dans un premier temps, il y a la phase qui consiste à coller sur le support, avec une colle liquide, des morceaux de papier pour aquarelle, colorés ou pas, des brouillons, des bouts de tissu, de vieilles aquarelles peintes, du papier de soie, des affiches, posters, etc..qui vont créer un puzzle hétéroclite de matériaux divers sur lesquels on entreprend de peindre sans but défini avec une palette colorée de peinture acrylique liquide, des motifs qui seront le fruit de votre imagination. A l'origine, il s'agit d'une représentation abstraite, complètement affranchie des détails naturalistes ou des perspectives difficiles à maîtriser (Trop de détails ou de compositions complexes ne feraient que bloquer la démarche et vous écoeurer au final ).

Il y a cependant quelque chose qui se met en place, grâce à la diversité des supports choisis, des teintes diluées et à la spontanéité du geste. Le collage va laisser apparaître zone par zone des aplats clairs ou sombres, une profondeur, si l'on prend soin de ne jamais appliquer la même couleur à différents endroits.

Veiller aussi à ne pas trop laisser sécher la couche d'apprêt sous peine de ne pouvoir faire accrocher les couleurs entre elles, travailler dans "l'humide", en diluant fortement les couleurs ou en vaporisant un peu d'eau sur celles qui ont légèrement séchées.    

Inconsciemment votre cerveau va faire la synthèse de toutes ces figures colorées par l'intermédiaire de l'œil et la peinture abstraite va cheminer progressivement vers une peinture figurative.

Les aplats verts, déstructurés par l'utilisation des différents supports du collage, vont faire apparaître au bas de la composition, des masses de végétation. Le processus de synthèse va s'enclencher avec la présence d'un ciel bleu, dans sa partie supérieure.

De nombreux mélanges vont faire leur apparition (du mauve, du saumon), ainsi que la présence d'un sous-bois où se dressent par collage de bandes de papier, des troncs d'arbres qui aboutissent à la composition d'un paysage réaliste.

L'on entre alors dans un monde coloré et travaillé par le jeu des ombres et des lumières diffuses. Collages et encres achèvent la mise en place du nouveau sujet. L'impressionnisme fait la part belle à l'interprétation et au surprenant changement, où l'on découvre une réalisation picturale équilibrée et intéressante, loin de la première esquisse initiale, mais qui a conservée par endroits des vestiges du collage originel.     

Il existe essentiellement deux formes de galets: les galets plats de rivière usés par le fort courant qui glisse sur leur surface et les érodent ou les galets de bord de mer, généralement ronds qui sont roulés et usés par le ressac.

Préparer la pierre en la lavant simplement à l'eau, cependant si la pierre vient du bord de mer, mieux vaut la laisser tremper dans l'eau douce, pour éliminer le sel qui s'est déposé et pourrait avec le temps nuire à l'adhérence de la peinture.

Boucher d'éventuels trous avec l'enduit de rebouchage, laisser sécher, poncer et dépoussiérer.

Appliquer une ou deux couches de gesso selon la rugosité de la pierre en laissant le dessous apparent pour apercevoir le support. Laisser sécher.

Pour notre coccinelle, quatre couleurs acryliques sont utilisées: Le blanc, le noir, le bleu primaire et un rouge lumineux. Les pinceaux sont de petite taille n°0, il faudra dans un premier temps, dessiner ou décalquer avec du papier graphique l'insecte, en le plaçant harmonieusement sur la pierre.

Pour notre peinture, le rouge recouvrira les élytres, parsemées de petits points noirs ( en général au nombre de 7 ). Le blanc de l'œil sera ponctué de bleu.

Une laque acrylique mate viendra protéger l'ensemble de la réalisation.