Pour évoquer le romantisme des roses peintes à l'huile ou à l'acrylique, sur fond sombre (noir), l'association de couleurs rouges écarlates va symboliser ce feu du coeur et cette beauté ardente.

Le dessin:

Dessiner les deux roses rouges avec un fusain, le plus précisément possible. On fixe le fusain à l'aide d'une bombe de laque ou d'un fixatif.

Le fond:

Est simple à réaliser, il s'agit de faire émerger la couleur des fleurs sur un fond neutre (noir), pour permettre au rouge de s'exprimer pleinement.

Les roses rouges:

Pour simplifier la réalisation, utiliser trois rouges différents ( un clair, un moyen, un foncé ).

- Le rouge foncé utilisé pour les parties ombrées des pétales doit être soutenu, la vidéo nous propose d'associer du noir (couleur du fond) au rouge magenta quinacridone. Préférer le mélange magenta, rouge vermillon et une pointe de noir d'ivoire qui peut être remplacé par du bleu outremer.

- Peindre, en associant du blanc de titane, du rouge magenta et du rouge vermillon, les valeurs moyennes en y ajoutant une pointe de jaune de cadmium.

- Le rose clair des teintes lumineuses, s'obtient avec du blanc de titane additionné d'un peu de rouge magenta et de vermillon.

Dans un premier temps, bien séparer les parties ombrées des zones intermédiaires, ensuite avec un pinceau sec et plat, adoucir ces contrastes sur les pétales pour éviter les franches séparations.

Les lumières:

Avec un petit pinceau souple et soyeux (ex: poil de martre), poser la lumière sur les extrémités des pétales en mélangeant le blanc de titane avec très peu de rouge vermillon et de magenta quinacridone. On peut par endroits utiliser du blanc pur.

Tiges et feuilles: 

Préparer un vert assez soutenu en mélangeant du bleu, du jaune, une pointe de magenta. Passer cette couleur sur les feuilles en respectant les images de la vidéo. Par endroits, éclaircir ce mélange avec un peu plus de jaune et de blanc, pour donner du volume aux feuilles.

Pour les tiges, ajouter du rouge et du jaune dans le mélange de base vert, pour les distinguer du feuillage, avec des passages plus foncés pour le volume des tiges, par ajout de vermillon et de noir ou de bleu. 

                 Un ballet de roses comme modèles à peindre 

    Edgar DEGAS (1834-1917), peintre et sculpteur français, est considéré comme l'un des représentants majeurs de l'impressionnisme grâce à sa composition novatrice et à son analyse perspective du mouvement.
Il fut aussi l'un des plus actifs organisateurs du mouvement, même si ses conceptions artistiques étaient distinctes de celles de ses amis impressionnistes.
De son vrai nom Hilaire Germain Edgar de Gas, il naît à Paris en juillet 1834 dans une grande famille noble de banquiers, aisée et cultivée. Sa mère était créole, originaire de la Nouvelle-Orléans. Son père, amateur d'art éclairé, permet à son fils d'aménager un atelier dans sa propre maison.
Après de brèves études de droit, il étudie à l'Ecole des Beaux-arts sous la direction de Lamothe, un disciple d'Ingres, peintre auquel il devait toujours vouer une admiration sans borne. Il y acquiert une grande maîtrise du dessin qui constituera toujours une caractéristique majeure de son art.
En 1859, il part pour l'Italie où il étudie, à Florence, Naples et Rome, les œuvres du Quattrocento, et peint de nombreux portraits.
Il étudiera à fond l'art ancien, tout en programmant dès 1859 dans ses carnets, toute une liste de motifs de la vie contemporaine qu'il projette de traiter : musiciens, danseuses, deuils, cafés le soir... autant de thèmes qu'on retrouvera dans son œuvre.
Par son statut social, sa culture et sa conception artistique, Degas a beaucoup de points communs avec Manet. Plus encore que Manet, c'est un peintre de figures, il ne s'intéresse jamais au paysage.
      

En été la végétation est abondante, les arbres croulent sous le poids des feuillages, c'est la période intéressante pour exprimer par la peinture, la majesté des seigneurs de la forêt.

La méthode universelle pour peindre à l'aquarelle est de mouiller le support sur lequel l'on va réaliser sa composition. Cette méthode "humide sur humide" permet à la peinture à l'eau de s'étendre sur l'ouvrage et de provoquer des effets intéressants.

Dand le cas qui nous est proposé, l'on s'attache à humidifier abondamment le pinceau chargé de peinture et d'effectuer la composition sur un support sec. On maitrise plus facilement les effets imprévus.

- Les tons clairs du feuillage sont obtenus en mélangeant du jaune de cadmium et du bleu de prusse.

- Les tons intermédiaires avec du bleu outremer ( qui est plus profond que le bleu de cobalt) et du jaune de cadmium.

- Les tons ombrés avec l'association de bleu outremer, de jaune de cadmium et de terre d'ombre brûlée.

- Pour le tronc et les branches on associe du bleu outremer et de la terre d'ombre brûlée.

On remarquera que les verts vendus dans le commerce ne sont pas concernés.

L'autre technique consiste à utiliser une peinture presque sèche pour le feuillage. Sur le support granité de nombreux blancs vont apparaître, seules les parties en relief vont absorber la peinture, on obtient ainsi un feuillage très clairsemé et léger.

L'intéret du sketch painting n'est pas de tenter de réaliser cette peinture sur ordinateur, mais de visualiser le processus de la composition et de l'utilisation de la palette de couleurs proposée.

 De Claude Monet Rue de la Bavolle, Honfleur 1864 ( Musée des Beaux-Arts de Boston).

La ville côtière de Honfleur en Normandie, était une destination populaire pour les peintres attirés par les marines. Monet s'est installé avec l'artiste français Frédéric Bazille en mai 1864, dans cette belle région, les deux artistes mirent en place leur chevalet le long de cette côte, à la lumière particulière, sur les falaises surplombant la mer et prés de la campagne environnante. À l'automne, après le départ de son ami Bazille pour Paris, Monet peint deux versions d'une rue du village au jeu volatile d'ombre et de lumière au soleil couchant.

Tout d’abord définissons le digital painting, souvent appelé speed painting par amalgame. Il s’agit de « peinture numérique », autrement dit de la peinture réalisée sur ordinateur. Les pinceaux et la toile ont été troqués pour un bon écran et une tablette graphique. On « dessine » sur la surface tactile de la tablette graphique qui reproduit à l’écran les traits réalisés en conservant par exemple la pression du stylet, son angle d’orientation, la forme de pinceau choisie, etc… Les domaines d’applications du digital painting sont avant tout le concept art et l’illustration. C’est ce qui permet de faire cette infinité de belles illustrations que vous pouvez voir au quotidien : dans certaines publicités, sur les livres, les boîtes de jeu, les jeux vidéos, etc… ou encore de créer les univers que vous retrouvez dans vos films ou jeux vidéos préférés. Mais les applications peuvent être vastes tant qu’on touche à la création d’images numériques : matte painting, graphisme, etc… Le speed painting quant à lui est concrètement un digital painting réalisée en une cession (approximativement moins de 2 heures), le plus vite possible. Son rendu est forcément moins poussé et l’accent est mis sur la technique et la vitesse de réalisation. Certains artistes digitaux excellent en ce domaine et sont capables de peindre de magnifiques œuvres en une heure ou deux.

De nombreux artistes aiment travailler au fusain, car ce matériau produit des tons riches au contraste élevé. Il peut être associé à d'autres techniques et être effacé facilement avec une gomme "mie de pain", permettant à l'artiste de produire une variété d'effets dans une réalisation artistique.

Il est fabriqué dans une multitude de versions. En batonnet il produit un tracé plus doux, tandis que compressé il donne des tons plus sombres. De nombreux peintres à l'huile ou à l'acrylique réalisent leur composition ou le dessin esquissé sur la toile avec le crayon batonnet avant d'appliquer la peinture. Le crayon réalisé avec la poudre compressée est le mieux adapté pour accentuer les valeurs plus sombres dans une œuvre, mais il est plus difficile à effacer, sans laisser de traces.

Pourquoi utiliser un crayon fusain? Alors que les formes traditionnelles de fusain sont parfaites pour la plupart des applications, certains artistes préfèrent  contrôler la réalisation de leur dessin, grâce au crayon classique.

En utilisant des bâtons traditionnels de fusain ou de charbon de bois compressé on perd un peu en précision dans les détails. Dans ces situations, la meilleure solution peut être d'utiliser un crayon classique. 

Comment aiguiser un crayon fusain ?

 Un crayon fusain peuvent être aiguisé comme un crayon traditionnel en utilisant un taille-crayon. Pour des grandes tailles, un couteau est un bon substitut. Si un couteau est utilisé, assurez-vous de tailler loin de votre corps.

Le crayon fusain enveloppé de papier est taillé en utilisant le petit fil inséré dans l'emballage, en le tirant vers le bas de quelques centimètres, et en enlevant le papier qui laissera apparaître le fusain compressé. Pour aiguiser le crayon et le tailler, vous pouvez utiliser un peu de papier de verre.

La vidéo suivante présente le processus de création d'une esquisse de paysage avec un crayon fusain.

Lien: De nombreuses vidéos consacrées aux citrons et techniques pour les peindre

Peindre les citrons en vidéo. par laurentsaintgermain

La fin de l'hiver, dans le sud de la ,France et particulièrement sur la côte d'azur correspond à la période de la célébration de l'arrivée du proche printemps, de ses carnavals et festivités colorées.

C'est la période, où la nature se couvre des premières couleurs. L'arrière pays niçois et le massif de Estérel fêtent d'un jaune éclatant, la floraison des mimosas. Aux abords de la frontière Italienne, le citron de Menton est le clin d'oeil flamboyant et lumineux de cette région méditerranéenne baignée de soleil.

Ce qui se dégage dans un premier temps à la lecture de la vidéo, c'est la chaleur intense qui inonde la nature morte ( très peu de couleur froide), avec des couleurs et des mélanges associant:

- jaune permanent (1).

- jaune permanent+ocre jaune (2).

- jaune permanent+vert clair (3).

- Jaune permanent +pointe de rouge permanent+vert clair+ très peu de noir (4), pour les couleurs plus foncées.

La couleur jaune pose bien souvent des problèmes pour ombrer et foncer sans salir. On évite ainsi, le jaune citron qui est une couleur tirant sur le vert.

- Préparer la toile avec un fond épongé puis frottassé de terre de sienne brûlée.

- Esquisser le dessin avec une terre de sienne ou une terre d'ombre diluée.

- Travailler les couleurs ou mélanges en allant du plus foncé au plus clair, avec de préférence une brosse plate, en soulignant les valeurs ombre-lumière contrastées, par un mélange de terre de sienne et d'ombre naturelle.

- Une couche grossière de jaune intermédiaire dilué, donne le ton de la composition.

- Poser les ombres et les différentes valeurs foncées (4), intermédiaires (2et3) et claires (1) .

* Observer chaque citron, si vous réalisez une composition, certains tendent vers la couleur verte, d'autres vers l'orangé, en fonction de leur maturité. Les parties vertes se composent d'un bleu outremer associé à du jaune de cadmium. Ce mélange est fondu avec le jaune encore frais déposé précédemment, en le mêlant délicatement et en déposant les couleurs par petites touches légères, avec un pinceau aux poils doux et secs.

* Les touches finales sur les citrons sont très importantes , car ce sont elles qui vont donner la consistance de la matière, l'aspect granuleux, l'impression de lumière et de relief. Poser des touches délicates de jaune de cadmium pur dans le clair, additionnées de blanc de titane par endroits, pour accentuer les reflets lumineux et les rehauts (points lumineux).

Varier, durant la posedescouleurs principales, le sens des touches réalisées au pinceau, pour donner plus de force et de dynamisme à votre peinture.