• Pour évoquer le romantisme des roses peintes à l'huile ou à l'acrylique, sur fond sombre (noir), l'association de couleurs rouges écarlates va symboliser ce feu du coeur et cette beauté ardente.

    Le dessin:

    Dessiner les deux roses rouges avec un fusain, le plus précisément possible. On fixe le fusain à l'aide d'une bombe de laque ou d'un fixatif.

    Le fond:

    Est simple à réaliser, il s'agit de faire émerger la couleur des fleurs sur un fond neutre (noir), pour permettre au rouge de s'exprimer pleinement.

    Les roses rouges:

    Pour simplifier la réalisation, utiliser trois rouges différents ( un clair, un moyen, un foncé ).

    - Le rouge foncé utilisé pour les parties ombrées des pétales doit être soutenu, la vidéo nous propose d'associer du noir (couleur du fond) au rouge magenta quinacridone. Préférer le mélange magenta, rouge vermillon et une pointe de noir d'ivoire qui peut être remplacé par du bleu outremer.

    - Peindre, en associant du blanc de titane, du rouge magenta et du rouge vermillon, les valeurs moyennes en y ajoutant une pointe de jaune de cadmium.

    - Le rose clair des teintes lumineuses, s'obtient avec du blanc de titane additionné d'un peu de rouge magenta et de vermillon.

    Dans un premier temps, bien séparer les parties ombrées des zones intermédiaires, ensuite avec un pinceau sec et plat, adoucir ces contrastes sur les pétales pour éviter les franches séparations.

    Les lumières:

    Avec un petit pinceau souple et soyeux (ex: poil de martre), poser la lumière sur les extrémités des pétales en mélangeant le blanc de titane avec très peu de rouge vermillon et de magenta quinacridone. On peut par endroits utiliser du blanc pur.

    Tiges et feuilles: 

    Préparer un vert assez soutenu en mélangeant du bleu, du jaune, une pointe de magenta. Passer cette couleur sur les feuilles en respectant les images de la vidéo. Par endroits, éclaircir ce mélange avec un peu plus de jaune et de blanc, pour donner du volume aux feuilles.

    Pour les tiges, ajouter du rouge et du jaune dans le mélange de base vert, pour les distinguer du feuillage, avec des passages plus foncés pour le volume des tiges, par ajout de vermillon et de noir ou de bleu. 

     

     

                     Un ballet de roses comme modèles à peindre 

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        Edgar DEGAS (1834-1917), peintre et sculpteur français, est considéré comme l'un des représentants majeurs de l'impressionnisme grâce à sa composition novatrice et à son analyse perspective du mouvement.
    Il fut aussi l'un des plus actifs organisateurs du mouvement, même si ses conceptions artistiques étaient distinctes de celles de ses amis impressionnistes.
    De son vrai nom Hilaire Germain Edgar de Gas, il naît à Paris en juillet 1834 dans une grande famille noble de banquiers, aisée et cultivée. Sa mère était créole, originaire de la Nouvelle-Orléans. Son père, amateur d'art éclairé, permet à son fils d'aménager un atelier dans sa propre maison.
    Après de brèves études de droit, il étudie à l'Ecole des Beaux-arts sous la direction de Lamothe, un disciple d'Ingres, peintre auquel il devait toujours vouer une admiration sans borne. Il y acquiert une grande maîtrise du dessin qui constituera toujours une caractéristique majeure de son art.
    En 1859, il part pour l'Italie où il étudie, à Florence, Naples et Rome, les œuvres du Quattrocento, et peint de nombreux portraits.
    Il étudiera à fond l'art ancien, tout en programmant dès 1859 dans ses carnets, toute une liste de motifs de la vie contemporaine qu'il projette de traiter : musiciens, danseuses, deuils, cafés le soir... autant de thèmes qu'on retrouvera dans son œuvre.
    Par son statut social, sa culture et sa conception artistique, Degas a beaucoup de points communs avec Manet. Plus encore que Manet, c'est un peintre de figures, il ne s'intéresse jamais au paysage.

          

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    En été la végétation est abondante, les arbres croulent sous le poids des feuillages, c'est la période intéressante pour exprimer par la peinture, la majesté des seigneurs de la forêt.

     

     

     

     

    La méthode universelle pour peindre à l'aquarelle est de mouiller le support sur lequel l'on va réaliser sa composition. Cette méthode "humide sur humide" permet à la peinture à l'eau de s'étendre sur l'ouvrage et de provoquer des effets intéressants.

    Dand le cas qui nous est proposé, l'on s'attache à humidifier abondamment le pinceau chargé de peinture et d'effectuer la composition sur un support sec. On maitrise plus facilement les effets imprévus.

    - Les tons clairs du feuillage sont obtenus en mélangeant du jaune de cadmium et du bleu de prusse.

    - Les tons intermédiaires avec du bleu outremer ( qui est plus profond que le bleu de cobalt) et du jaune de cadmium.

    - Les tons ombrés avec l'association de bleu outremer, de jaune de cadmium et de terre d'ombre brûlée.

    - Pour le tronc et les branches on associe du bleu outremer et de la terre d'ombre brûlée.

    On remarquera que les verts vendus dans le commerce ne sont pas concernés.

    L'autre technique consiste à utiliser une peinture presque sèche pour le feuillage. Sur le support granité de nombreux blancs vont apparaître, seules les parties en relief vont absorber la peinture, on obtient ainsi un feuillage très clairsemé et léger.

     

     

    Dessin et peinture - vidéo 1161 : Deux techniques pour peindre un arbre, à l'aquarelle.

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