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    Dessin et peinture - vidéo 2923 : La peinture "alla prima" et la technique du croquis préparatoire, simple, monochrome et coloré ?

     

    Réaliser un portrait rapidement, technique "alla prima"

    Le portrait est l’un des sujets les plus complexes car il se doit de retranscrire toute l’expressivité du visage aux travers de multiples nuances et détails. Deux méthodes picturales existent : la méthode « lente » dite traditionnelle, constituée de superposition de couches de peinture et la technique alla prima, c’est-à-dire peindre en une seule séance tant que la peinture est encore fraîche.

    Zimou Tan est un artiste peintre chinois ayant fait sa renommée aux Etats-Unis, il est nommé Maître d’art en 2007 par le gouvernement chinois. Il réalise ici un portrait à l’huile alla prima d’après modèle vivant lors d’une séance d’une durée de plus 2h, le montage vidéo nous présente le processus en accéléré, résumé en à peine 10mn.

    Le croquis

    Le croquis en monochrome est l'exercice de base par lequel on doit d'habituer à commencer. Il est difficile d'approfondir un portrait, si l'on s'éloigne de la ressemblance. Il faut, pour réaliser un croquis réaliste, apprendre à extraire du sujet les caractéristiques et les proportions essentielles en:

    ° S'attachant à la composition.

    ° Simplifiant les formes, en les réduisant à leur plus simple expression.

    ° Rendant les volumes par les jeux d’ombre et de lumière.

    ° Dégageant le centre d’intérêt ( une attitude, une expression, etc... ), en un mot, mettre en valeur une partie du sujet.

    Il faut accepter le fait que les premiers dessins soient ratés. La maitrise se fera dans la durée et la qualité viendra avec le travail et la persévérance.

     

    Le croquis coloré

    Le croquis peut aussi se décliner en couleurs, il est alors l'antichambre de la peinture "alla prima". Après avoir esquissé la structure, on synthétise les couleurs en aplats simples. la couleur doit être juste à travers sa teinte, sa valeur, sa chaleur et sa vivacité.

    L'utilisation directe de la couleur ne doit pas laisser la place à une construction ou une composition bâclée. Le portrait sera impérativement raté.

    La technique Alla prima

     Ce terme italien date de la Renaissance, il signifie « peindre dans le frais » ou peindre en « un seul jet ». Les étapes traditionnelles de l’ébauche et des glacis sont alors inexistants, rendant cette méthode quelque peu moderne, simple et pratique. Les Impressionnistes l’ont d’ailleurs bien compris, depuis lors, ce processus est devenue la principale manière de peindre à l’huile. Cette pratique étant favorisée par le temps de durcissement très long de l’huile. Voici en quoi consiste la technique alla prima :

    • Peindre dans la globalité et non détail après détail.
    • Superposer et juxtaposer les couleurs avant qu’elles ne durcissent, sans vraiment les mélanger.
    • Des gestes rapides et maîtrisés afin d’éviter les retouches et garder la spontanéité.
    • Donner « l’impression visuelle » plutôt que le réalisme par la forme et la ligne.

     

    Portrait alla prima : 1ere étape

    Portrait alla prima : 1ere étape, les formes

    La première étape de la réalisation consiste à appliquer le volume général du sujet par la mise en place des ombres et des lumières, grâce à des couleurs neutres telles que les terres d’ombres et des ocres.

     

    Portrait alla prima

    Portrait alla prima : 2e étape, les volumes

    Progressivement, l’artiste superpose ses teintes en les mariant les unes aux autres sans toutefois les mélanger complètement. Il enrichit ses couleurs en variant les teintes, certaines vont tirées vers le vert, d’autres vers l’orangé ou encore le violacé, etc. Les ombres ont également plusieurs degrés, leur intensité varie allant jusqu’au très sombre sans pour autant tomber dans le noir. Il travaille l’ensemble de l’œuvre et non zone après zone. Seuls les formes et les volumes sont mis en place, les détails ne viennent qu’en dernier.

     

    Portrait alla prima : 3e étape, les ombres et lumières

    Portrait alla prima : 3e étape, les ombres et lumières

    Vient le moment de peindre le fond. Étant donné que la peinture est fraîche, la couleur va se se fondre avec celles du visage. Et pour une plus grande harmonie de l’ensemble, la couleur du fond se retrouve parmi les teintes utilisées pour le visage, pour une plus grande unité et cohérence picturale.

    Zimou Tan continue la progression de son portrait en accentuant les ombres et les lumières. teintes claires allant parfois jusqu’au blanc pur. Toujours par superpositions et juxtapositions de petites touches fondues les unes aux autres, atténuant alors les traces de pinceaux, créant un modelé doux.

     

    Portrait alla prima : 4e étape, les détails

    Portrait alla prima : 4e étape, les détails

    Et enfin, peu à peu les détails sont mis en place avec patience et minutie, ici l’artiste passe environ 1/3 du temps à placer des petites touches ça et là ; Quelques cheveux et poils de barbes, quelques rides renforcées, des éclats de lumière, des ombres assombries, etc… Plus il y de détails, meilleur sera le réalisme.

     

    C’est l’attention apportée aux détails qui fait toute la différence. Dans une œuvre de maître rien n’est laissé au hasard, tout est maîtrisé, même cette impression d’inachevé ! En supprimant le superflu, vous montrez l’essentiel.

     "Plus les lignes et les formes sont simples, plus il y a de beauté et de force."

    Jean Auguste Dominique Ingres à ses élèves.

     

    La peinture "alla prima" par laurentsaintgermain

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    Dessin et peinture - vidéo 2922 : Comment transférer une image sur une toile ?

     

     

    Faire une bonne impression de l'image ou de la photo que vous voulez transcrire sur une toile, choisir le format d'impression correspondant le mieux au transfert.

    Retourner la photocopie, coté blanc vers vous. Imprégner la surface avec du "binder" ou liant acrylique, déposer l'image sur le support, le résultat sera forcement une image inversée, coller la, en prenant soin de ne pas laisser de bulles d'air. Laisser sécher, puis avec une éponge et de l'eau, humidifier légèrement. Avec un doigt, en principe l'index, ôter les petits bouts de papier humides qui se détachent, en frottant légèrement. L'image inversée va apparaitre, les pigments seront imprégnés sur la toile. Vous pourrez par la suite, repeindre sur l'image.

     

    TRANSFERT DE PHOTOS SUR TOILE OU TOUT AUTRE SUPPORT, par laurentsaintgermain

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    Dessin et peinture - vidéo 2921 : Comment faire du mixed média en recyclant des objets ? - toutes les techniques.

     

     

     

     

     

    Objets recyclés: du café, du vernis à ongles, du thé, des bijoux cassés, des sachets de thé, des boutons, des capsules de bouteilles, du carton, du ruban adhésif chirurgical, du ruban de renforcement, etc.

    Les produits mixed média:
    Gesso
    Gel mat doux
    cire

      
     
     
    Beaucoup de textures.

     
     





     
     
     
    EMOTICON engrenages 6 
     
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    drawing hair

    Comment dessiner les cheveux

     

    En regardant de nombreux dessins réalisés par des peintres amateurs sur la façon de dessiner la tête d'un personnage, je me suis rendu compte que la plupart du temps, les cheveux étaient représentés individuellement par des lignes courbes et que par conséquent, les chevelures étaient plates et sans volume.

     


    Quelles sont les erreurs les plus courantes faites en dessinant ou en peignant  des cheveux ?


    Le rendu des volumes

    C'est l'erreur la plus commune que je constate chez les peintres autodidactes. Il y a plus de 100 000 mèches de cheveux sur la tête.  Ainsi, certaines personnes oublient le volume et tracent un tas de lignes aux multiples courbures, sans pour autant créer l’illusion du volume. Ce sont les dégradés et les différences de valeur qui montrent les changements de plan, qui créent l'illusion de volume. Ne pas tracer un tas de lignes. Au lieu de cela, concentrez-vous sur les volumes pour obtenir un style de cheveux longs et soignés.

     

    Trop de texture
     
    Il ne faut pas s'emballer sur la quantité de lignes dessinées pour essayer de rendre la texture du cheveu, dans les parties lumineuses, dans les ombres et même les demi-teintes. Il faut laisser des zones mortes, notamment dans les ombres où le volume sera moins marqué.
    Toutefois si l'on peint des cheveux blonds dans une lumière intense, la texture aura son rôle à jouer essentiellement dans les ombres.
     
     L'impatience est un mauvais choix

    Il y a tellement de petites formes aléatoires dans les cheveux, qu'un bon dessin est une nécessité. Toutes les formes qui composent une chevelure sont parfois difficiles à transcrire et il est facile de devenir impatient et négligé. J’ai constaté que la confiance en soi était un élément important pour un bon dessin. 

    Contours trop nets

    Je parle de la séparation entre les cheveux et le fond et aussi de la connexion entre les cheveux et le crane. Sauf si le sujet a une coiffure parfaitement peignée ou gélifiée, il y aura des mèches qui seront plus floues entre le contour et l'arrière-plan. Mais même si je vois un bord net, je vais le rendre plus doux pour faire bouger les plans. Cela ajoute également de la profondeur et de l'atmosphère et relie le sujet à l'environnement. La variation de la netteté est également importante dans les zones proches de la peau. Dessiner un contour trop net fera ressembler la chevelure à une perruque.

     

    Considérer la forme du crane, l'ondulation des cheveux et l'orientation de la lumière

    La plupart des styles de cheveux que vous dessinerez dépendront de la présence du crane. Il est donc important de penser à la forme de la tête et à la lumière qui se projette sur la chevelure.

    Les groupes de mèches de cheveux s'enroulent et créant l'ondulation grâce à la lumière. Dans l'exemple ci-dessous, je me suis assuré d'ombrer le crane, pour qu'il ressemble à une boule, avant d'y ajouter toute la texture du dessus. Le côté gauche de la masse de cheveux est dans l' ombre, tandis que tous les volumes et le relief sont à droite.

     

    hair wraps around the forms underneath

     

    Ajout de volume dans les cheveux

    Les cheveux sont représentés sous forme de mèches, de boucles ou d'ondulations, à l'image d'un ruban. Il est important de simplifier et de réfléchir à leur forme géométrique simplifiée, bien avant d’ajouter la texture. L'ajout de la texture des brins ne doit pas enlever l'illusion de volume. Nous pouvons simplifier une mèche de cheveux, en utilisant 3 éléments essentiels: La partie lumineuse, les demi-teintes et les ombres.

    Voici un exemple basique de mèche de cheveux


    Lock of hair as simple form

     

    La mèche de cheveux représentée précédemment aide à comprendre globalement le processus de mise en valeur d'une touffe de cheveux ou d'une boucle. C'est la lumière qui crée des ombres et des demi-teintes. Si l'on veut obtenir plus de véracité dans la réalisation, il faut ajouter un quatrième élément qui est la texture ou la matière. Cela nécessite que soit plus approfondi et détaillé, les alternances entre groupes de cheveux, en y creusant des reliefs formés par la lumière, les demi-tons, les ombres. L'association de tout ces groupes de cheveux forment alors la texture.

     

    hair elements: shadow, halftone, highlight, texture

     

    Les Ombres

    Que vous dessiniez des cheveux lisses, bouclés, ondulés, courts, à pointes ou des mèches, il y aura toujours des ombres. Il est important d’obtenir une séparation attrayante et bien équilibrée de la lumière et de l’obscurité. C'est l'association de toutes ces formes creusées, mais homogènes, qui va vous donner un beau rendu. 


    Demi-teintes

    Lorsque je dessine des cheveux, je pense d’abord aux demi-teintes comme un dégradé entre les ombres et les rehauts de lumière. Plus tard, c’est là que je vais ajouter la plupart de la texture dans ces zones intermédiaires.

    Les parties lumineuses de la mèche 


    Ce sont les formes qui attireront le plus l’attention, c’est pourquoi un bon dessin est important. On appliquera le même principe que pour les ombres. L'ensemble doit être harmonieux en faisant varier la longueur, l'épaisseur, la forme des mèches.


    Texture

    Quelques conseils pour dessiner la texture des cheveux:

        Dessiner ou peindre l'illusion de la chevelure. N'essayez pas de dessiner chaque cheveu, mais oser les courbures et les formes.
         Cela se produit lorsque vous tracez des mèches qui tombent sur le front. Les gens ne veulent pas gâcher le visage. Mais peu importe si c’est à l’endroit parfait. Les cheveux ont la particularité de bouger.
        Commencer le trait à la racine et le laisser s'affiner vers la pointe.
     


    Peindre les cheveux et la barbe, par laurentsaintgermain

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    Dessin et peinture - vidéo 2919 : A la découverte des papillons en peinture - toutes les techniques.

     

     

    EMOTICON papillons 209         

         EMOTICON papillons 209

     

     

    EMOTICON papillons 232

    Aquarelles Holbein: Sépia, Gris Payne, Bleu Phthalo, Bleu Marine, Nuance Viridian, Lumière Jaune Cadmium, Or Quinacridone, Bleu Royal, Vert Sapin, Teinte Rose Madder, Écarlate Quinacridone, Brun Imidazolone, Blanc - opaque aquarelle / gouache

    Papier pour aquarelle: pressé à chaud, 140 lb, 100% coton, taille: 5X7 (bloc)

    Brosses: Rondes 0, 8, Rigger 1

    EMOTICON papillons 130

     

    Peindre des papillons en vidéo, par laurentsaintgermain

    EMOTICON papillons 180

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    Dessin et peinture - vidéo 2918 : Comment préparer sa peinture acrylique fluide pour réaliser une fleur ? - peinture abstraite.

     

        

     

     

    NOUVELLE RECETTE
    Peinture fluide: 1 part de peinture acrylique, 1/4 part de médium ( floétrol, colle pour écolier ou médium pouring)
    La consistance doit être vraiment crémeuse.
    Puis ajoutez de l'eau jusqu'à obtenir la consistance du miel liquide.

    Ajoutez du silicone liquide (obtention de cellules) pour huiler ou dégripper les objets ou du lait de coco ou des produits pour huiler les cheveux.

     

    bARREDESEPARATFLEURETDIAMANT.gif

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    Dessin et peinture - vidéo 2917 : Comment s'inspirer du streetart ( graffitis, bombe de peinture acrylique, marqueurs, pochoirs, etc...) ? - peinture abstraite acrylique sur toile.

     

         

     

     

    Réalisation d'une peinture sur toile, inspirée par le "Street Art" et les graffitis avec techniques propres à la peinture abstraite. Utilisation des bombes de peinture, de la peinture acrylique, des couleurs fluorescentes, des marqueurs et beaucoup de bande de masquage et de pochoirs.

    Le châssis entoilé mesure 80x80cm.

     

    Le street art, par laurentsaintgermainRésultat de recherche d'images pour "lettres graffitis"

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    Dessin et peinture - vidéo 2916 : Le rôle de la bande de masquage dans la peinture abstraite - peinture acrylique.

     

     

     

     

    Réalisation d'une peinture abstraite à la peinture acrylique avec des pinceaux et de la bande de masquage. Les couleurs de base complémentaires sont le bleu et le orange. L'ensemble mesure 160x60cm.

    Résultat de recherche d'images pour "gif animé peinture abstraite"

     

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    Dessin et peinture - vidéo 2915 : Comment peindre la petite cascade ? - peinture sur site, à l'acrylique ou à l'huile.

     

     

     

    Découvrir des merveilles qui vous inspirent pour une peinture sur site, au détour d'une randonnée pédestre, voilà ce qui peut vous arriver de pire, par une belle journée ensoleillée.

    Couleurs:
    • Blanc de titane
    • Jaune cadmium moyen
    • Ocre jaune
    • Sienne brûlée
    • Bleu outremer
    • Vert Pthalo
    • Rouge cramoisi

     

    Peindre cascades ou waterfalls et chutes d'eau, par laurentsaintgermain

    Cascade - Arbres - Gif animé - Gratuit

     

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    Dessin et peinture - vidéo 2914 : Comment réussir un portrait en estompant progressivement les couleurs ? - peinture à l'huile.

     

    1ere étape : Le dessin

    Le choix de la préparation du dessin dépend des capacités du peindre à entreprendre cette étape qui est cruciale pour la ressemblance. La technique peut se réaliser soit:

    - A main levée en prenant des repaires pour donner la ressemblance au visage.

    - A mettre au carreau le dessin en utilisant la proportionnalité, si l'on utilise une photo.

     - Avec l’aide d’un projecteur. Cet outil permet d’avoir un dessin reproduit rapidement à l’identique.

    2e étape : Le Lavis

    Le lavis permet de positionner les nuances, les ombres et les lumières grâce à un « jus » formé par des couleurs diluées. On place des surfaces de différentes valeurs que l'on va fondre entre elles avec un pinceau sec et propre. Cette étape est en quelque sorte un repère pour la mise en couleur, pour le corps de la peinture. Il est important que le jeu de lumières soit effectué avec justesse, car il est d’autant plus difficile de rectifier ses erreurs, par la suite.

     

    On peut utiliser du brun, du blanc et du liquin. Le liquin est un médium pour peinture à l’huile composé de résine alkyde qui accélère le temps de durcissement, fluidifie les couleurs en les rendant plus souples, plus transparentes, en permettant aux tons de se fondre avec facilité, sans pour autant les amaigrir; Contrairement à l’utilisation seule de l’essence (térébenthine ou White Spirit par exemple) qui fait perdre de la consistance à la couleur est donc de la qualité.

    Rubens par exemple, utilisait une seule couleur pour son lavis, uniquement de la terre de Sienne brûlée. Il n’utilisait donc pas de blanc car il se servait de la couleur du fond (comme en aquarelle). Rubens diluait sa terre de sienne brûlée avec de l’huile ou du vernis copal, on peut aussi utiliser un mélange essence de térébenthine et huile d'oeillette.

    « Cette teinte (terre de sienne brûlée) doit être étendue d’huile et de vernis copal, afin de donner un jus transparent à travers duquel le panneau blanc apparaîtra lumineux ». Xavier de Langlais

    3e étape : L’ébauche 

    L’ébauche sert à mettre les différentes teintes en place, comme une sorte de répétition avant le spectacle. Cette étape peut être appliquée sur un lavis encore frais. L’artiste utilise ici la terre d’ombre naturelle, le blanc de titane, le liquin, le jaune de cadmium pâle, le rouge de cadmium et le bleu outremer. Le choix dans les couleurs se ressent dans l’aspect même du tableau. Si l’on se réfère aux Maîtres flamands, les couleurs utilisées pour les portraits étaient : Blanc d’argent (remplacé par le titane) / Ocre jaune / Laque de Garance, vermillon ou ocre rouge / Bleu outremer ou bleu de cobalt / Terre verte / Terre de sienne brûlée / Noir d’ivoire.

    Une fois les couleurs du fond mises en place, le fond peut être estompé avec un pinceau propre, sec et doux (blaireau, putois ou même synthétique), afin que celui-ci devienne uniforme et que soient supprimées toutes les traces de poils.

    4e étape : L’application des couleurs

    Cette fois-ci, les couches précédentes doivent être bien dures et ce même en profondeur, c’est pourquoi mieux vaut attendre au minimum 24h. Cette étape est également appelé le « corps » de la peinture, c’est ici que la pâte picturale sera la plus épaisse et la plus déterminante pour le résultat final.

    Cennino Cennini nous explique comment procéder :

    « Prends trois vases, mets dans l’un, supposons du rouge pur, pour les deux autres, une des couleurs sera plus claire et la troisième, pour les demi-tons, sera faite du premier vase et de ce second clair.

    Prends maintenant le premier, c’est-à-dire le plus obscur avec un pinceau un peu gros et un peu pointu, suis les plis de ta figure dans les lieux les plus obscurs et ne dépasse jamais le milieu de la grosseur de cette figure : Ensuite prends la couleur du milieu, couvre tes plis en partant du ton obscur. Alors prends la couleur la plus claire et couvre le côté de la lumière, en conservant toujours le nu sans coloris. Puis avec un autre vase de blanc pur, termine avec soin les reliefs les plus saillants.« 

    5e et dernière étape : Les glacis

    Pour cette ultime étape, le tableau doit être dur en surface, alors attendez plusieurs jours ou peut-être même plusieurs semaines avant d’appliquer les glacis. Selon André Béguin, un glacis « est une peinture colorée, destinée à rester transparente de manière à ne pas recouvrir un fond mais à en modifier simplement la teinte. ».

    NB: Le médium utilisé est le Liquin

    liquin : médium pour peinture à l'huile

    Il existe dans le commerce des médiums spécialement pour glacis qui sont de très bons produits tout à fait efficaces et un peu plus adaptés, car plus riches. Le glacis est utilisé pour rehausser certaines teintes afin de donner plus d’effets de profondeur, de réalisme, d’éclat et de contraste et donc créant un rendu plus beau. C’est étape est cruciale et essentielle pour sublimer votre travail à l’huile.

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