Apprenez à peindre la rose rouge de la manière la plus simple en utilisant 4 couleurs. Il s'agit d'une leçon vidéo complète en moins d'une heure

Vidéos: Peindre les roses, par laurentsaintgermain

La vidéo précédente montre le déroulement du processus pour le dessin et la peinture avec des pastels et des crayons pastels. Bien que la majeure partie du paysage soit blanc, l'utilisation de couleurs complémentaires contribue à rendre le sujet plus attractif.

L'importance de la couleur dans un paysage enneigé

Dans cette leçon au pastel , nous voyons la réalisation, étape par étape, d’une peinture de paysage hivernal. L'illusion de l'espace se crée en jouant sur les intensités des couleurs, de valeur et de contraste.. Et tandis que la scène est dominée par la «blancheur» de la neige, c'est la couleur qui lui vole la vedette.

Bien qu'une surface tonique ne soit pas la condition nécessaire au succès de la réalisation, elle s'avère utile pour évaluer les couleurs et les relations de valeur à mesure qu'elles sont ajoutées. Pour cette raison, de nombreux pastellistes préfèrent travailler sur une surface tonique. 

La texture du support papier doit également être considérée

  Des textures rugueuses permettent d'obtenir plus de couches de couleurs qui s'accrochent plus facilement sur le papier, tandis que les surfaces plus lisses offrent un meilleur contrôle des détails. Une certaine texture doit permettre les applications avec les pastels. 

 Le médium détermine souvent l'approche que l'artiste utilise dans un dessin ou une peinture de paysage.

Si le support est opaque et couvert facilement, l'artiste peut commencer par le fond avant de progresser. Si le support l'est moins, l'artiste peut choisir d'aborder les zones  plus proches du spectateur avant d'aborder les parties les plus éloignées.

Les pastels sont opaques et couvrent facilement. Pour cette raison, nous pouvons aborder complètement l'arrière-plan avant de poursuivre par les parties intermédiaires et ensuite, terminer par le premier plan.

Nous commencerons par appliquer le blanc depuis le haut de l'image, vers le bas. Du  gris chaud est ajouté pour indiquer quelques nuages. Un bleu clair est utilisé pour ajouter un peu de couleur au ciel. Ces applications sont mélangées avec un doigt pour faciliter les transitions.

 La ligne des arbres à l'horizon est également ajoutée et les couleurs mélangées. Afin de créer l'illusion de l'espace, les détails de ces arbres sont esquissés. Le même gris chaud et le bleu clair sont ajoutés pour les ombres douces. Les arbres éloignés sont suggérés avec un crayon pastel noir avant d'être adouci avec un crayon pastel blanc. Les arbres au centre de la peinture sont dessinés avec un crayon noir pastel. Quelques touches de couleur sont ajoutées avec un crayon pastel Terre de Sienne brûlée en dessous et autour de ces arbres. Des couleurs supplémentaires sont ajoutées au premier plan, y compris la terre de Sienne brûlée et le rouge magenta et doucement mélangées avec un doigt

Les arbres, sur le côté droit sont peints de la même manière, en y associant du bleu clair et une touche de pourpre pour les endroits ombragés. Des couleurs plus intenses sont utilisées pour le premier plan. On évitera l'utilisation des bleus et des oranges. Les bruns, la terre de Sienne brûlée et le bleu clair constituent les couleurs chaudes du premier plan.

Le contraste et le détail sont renforcés au premier plan par des applications d'Ocre jaune et de blanc. Les ombres sont améliorées avec des touches de noir et de terre d'ombre brûlée. Comme vous pouvez le voir, les couleurs plus lumineuses sont toujours présentes à travers ces couleurs..

On dessine le tronc et les branches de l'arbre dominant du premier plan avec de de la terre d'ombre brûlée, en prenant soin d’exécuter le geste, de l'intérieur vers l’extérieur. 

Le crayon pastel doit être bien taillé pour pouvoir accentuer les détails des branchages avec un pastel noir.

Les ombres de l'arbre sont renforcées avec un peu de noir. La couleur du tronc et des branches, d'un brun plus clair, sous l'influence de la lumière, est composée de terre de Sienne brûlée et de bleu clair. Les quelques derniers détails sont ajoutés sous l'arbre avec un crayon noir pastel. Un arbre plus petit est inclus dans pour équilibrer la composition.

Même si le paysage, dans son ensemble, est dominé par le blanc, le contraste de couleur entre le chaud de la terre de Sienne brûlée et le bleu plus froid, donne tout de même son équilibre au tableau final.

 Une remarque qui s'applique à l'ensemble des peintures réalisées: N’abandonnez jamais une œuvre en cours de route, parce que nous pensons arriver immédiatement au résultat escompté. Rencontrer des difficultés est toujours bénéfique, c'est ce qui nous fait progresser. Ce n'est que l'étape finale, qui permettra aux différents éléments de la composition de s'imbriquer et d'aboutir à un résultat cohérent, éloigné parfois de ce que l'on avait imaginé à fortiori.

Comment peindre une fleur d’iris à l’aérographe

Etienne Delvarre6 Comments

13 juin 2016

Dans cette vidéo, je vous emmène à la découverte d’un petit tableau peint à l’acrylique, à l’aérographe et au pinceau. C’est une fleur d’iris bleue et violette d’un aspect lumineux et réaliste.

 Vous allez apprendre ma manière de procéder pour peindre un tableau réaliste et convaincant à l’aérographe et au pinceau, du croquis jusqu’à la touche finale.

Tutoriel vidéo du tableau à l’aérographe 

Dessiner la fleur d’iris avant de la peindre 

Je prends pour modèle une photo d’iris que j’imprime et scotche sur mon plan de travail à côté de ma feuille de papier.

Mon modèle de fleur est placé tout près de ma feuille de dessin

Il est important d’avoir constamment sous les yeux les images de référence que vous cherchez à interpréter. N’ayez pas peur de les placer très près de votre feuille à dessin.

Cette habitude vous évitera de fatiguer inutilement votre mémoire visuelle en cherchant trop longtemps des yeux le modèle à reproduire.

Je dessine la fleur le plus fidèlement possible.

Pour dessiner, je me base sur les conseils de Betty Edwards dans son livre « Dessiner grâce au cerveau droit ».

Elle dit dans son livre que la pratique du dessin demande de passer dans un état d’esprit propice à la perception des contours, des relations entre les lignes, des volumes et des espaces négatifs.

Sur le modèle, la tige a deux fleurs… Je prends la liberté de n’en peindre qu’une seule sur les deux pour pouvoir la mettre en valeur plus facilement. Dans l’arrière-plan, j’esquisse les contours d’une deuxième fleur qu’on ne peut pas distinguer très nettement, mais qui montre la nature environnante.

Le dessin est terminé, je n’ai pas besoin d’en ajouter plus, tous les détails seront réalisés au pinceau.

Préparer la mise en peinture de la fleur 

Maintenant que le dessin est complet, je dépose un film de masquage sur la fleur qui est le sujet principal du tableau.

J’en découpe les contours au cutter en prenant garde de ne pas couper le papier.

Quand tous les contours sont découpés, je retire le film de masquage sauf celui qui recouvre la fleur elle-même.

Pourquoi peindre l’arrière-plan en premier ? 

Très souvent dans une toile, les peintres commencent par l’arrière-plan. Mais pourquoi ?

L’arrière-plan est la zone la plus éloignée du regard, elle est souvent moins détaillée que les autres plans. Peindre cette zone en premier permet de donner un contexte à la peinture, notamment l’ambiance colorée dans laquelle vont se situer les autres éléments du décor.

Pour peindre l’arrière-plan, les gestes sont plus larges que pour peindre les détails du premier plan, il est donc normal de commencer par l’un et de finir par l’autre.

En commençant par peindre l’arrière-plan, on peut considérer les sujets des premiers plans comme des calques à superposer à notre gré, jusqu’à obtenir l’image souhaitée.

De plus, peindre les éléments du premier plan en dernier facilite grandement l’exécution de leurs contours.

Je peins donc l’arrière-plan à l’aérographe (buse 0,2 mm) avec trois teintes de verts différents :

• un vert jaune assez lumineux
• un vert kaki rompu
• un bleu vert transparent

En peignant le fond à main levée, je contourne la fleur de l’arrière-plan qui sera peinte dans une autre couleur.

De même, je laisse quelques zones blanches qui seront peintes en violet et mauve pour suggérer la présence d’autres fleurs au loin.

Avec une peinture mauve puis une violette et enfin un bleu roi, toujours à main levée, je peaufine le fond du tableau.

Ce qui est important dans cette étape c’est de suggérer au regard un environnement plausible.

Pour souligner cet effet, avec un vert foncé très opaque j’ajoute un effet de lignes verticales qui représentent les tiges d’autres fleurs ou d’autres plantes du jardin.

Peindre la fleur, pétale par pétale 

L’arrière-plan est terminé, je retire le film qui occulte la fleur, je replace la partie négative du film de masquage sur le fond.

Enfin, je pulvérise à l’aérographe un blanc opaque (4201–Createx), pour couvrir légèrement les traits de crayon trop visibles.

Je sèche ensuite cette couche de peinture blanche à l’aide d’un sèche-cheveux avant de pouvoir continuer le travail.

Je peux maintenant peindre les pétales un à un en respectant les couleurs du modèle.

À chaque étape, je m’assure que le film de masquage est correctement positionné pour ne pas abîmer le travail déjà fait.

Malgré cette précaution, il arrive parfois que la peinture n’aille pas exactement à l’endroit prévu, bavures, etc.

Vous voyez ce que je veux dire ?

Chaque couche de peinture est séchée au sèche-cheveux pour pouvoir rapidement poser un nouveau film de masquage sur le dessin et passer au pétale suivant.

Je commence par le pétale le plus large, celui qui demande le plus de détails.
Je lui applique un dégradé finement vaporisé : du bleu au jaune vif en passant par le blanc du papier.

Peindre les détails au pinceau 

Avec un pinceau fin, modèle « Iris » (la coïncidence n’est pas voulue) de la gamme 8455, numéro 10/0 (de la marque Pébéo), je peins des lignes fines bleu marine, de la base du pétale jusqu’à son extrémité.

Presque toutes les lignes se terminent par des ramifications comme les branches d’un arbre.

Heureusement, les traits de crayon sont restés suffisamment visibles pour pouvoir me guider dans ce travail délicat au pinceau. Cependant, à la fin, aucun trait de crayon ne restera visible puisqu’ils seront tous recouverts avec de la peinture.

Créer une texture sur les pétales de la fleur 

Avec la gomme électrique, je fais apparaître quelques zones blanches entre les nervures du pétale.

La rotation de la gomme abrasive use légèrement la fine couche de peinture ce qui permet de retrouver le blanc du papier.

À chaque pétale de fleur, je procède en deux temps :

• Je place l’aérographe très près de la feuille de papier pour pulvériser les couleurs avec le plus de finesse possible (violet mauve et bleu foncé).
• Par endroit, je repasse sur les lignes principales avec un pinceau très fin.

Les nervures des pétales ont l’air d’être des motifs assez abstraits quand on les regarde de près, cependant, l’exécution minutieuse et fidèle du modèle donne beaucoup de réalisme au dessin.

Le cœur de la fleur est composé de deux petits pétales recroquevillés. Comme la surface est toute petite, c’est au pinceau que je peux donner le plus de détails ; l’aérographe ne me sert qu’à donner la couleur de base.

Peindre la tige de la fleur 

Pour peindre la tige, j’utilise de la peinture opaque (Acrylia de chez Dalbe).
Je découpe un nouveau morceau de film adhésif spécialement pour la tige.

Cinq couleurs me sont nécessaires :

• vert foncé
• vert clair
• marron moyen
• marron foncé
• noir transparent

En gardant le film adhésif en place, je me sers aussi de caches volants en papier et d’un traceur de courbes pour définir la netteté des contours.

Fignoler et donner du contraste 

Une fois que tous les pétales et la tige sont terminés, j’apporte du contraste à l’ensemble du tableau, par petites touches, avec un pinceau fin. Les deux couleurs que j’utilise sont :

• Un noir transparent assez dilué pour laisser apparaître les couleurs sous-jacentes.
• Un blanc opaque suffisamment couvrant pour apporter des touches de lumière ici et là.

Le tableau est terminé !

Fleur d’Iris– acrylique sur papier toilé – 16,5 x 20,5 cm

Alcool et papier pour pastels 

Brosse plate 

ombres et lumiEres avec un pastel sombre 

UtiliseR de l'alcool ET LE PINCEAU pour crEer LES valeurs 

AjoutER de la couleur Au ciel pour dEfinir l'ambiance 

Des tonalitEs et des pourpres dans les zones d'ombre 

AJOUT DES AUTRES COULEURS