Edgar DEGAS (1834-1917), peintre et sculpteur français, est considéré comme l'un des représentants majeurs de l'impressionnisme grâce à sa composition novatrice et à son analyse perspective du mouvement.
Il fut aussi l'un des plus actifs organisateurs du mouvement, même si ses conceptions artistiques étaient distinctes de celles de ses amis impressionnistes.
De son vrai nom Hilaire Germain Edgar de Gas, il naît à Paris en juillet 1834 dans une grande famille noble de banquiers, aisée et cultivée. Sa mère était créole, originaire de la Nouvelle-Orléans. Son père, amateur d'art éclairé, permet à son fils d'aménager un atelier dans sa propre maison.
Après de brèves études de droit, il étudie à l'Ecole des Beaux-arts sous la direction de Lamothe, un disciple d'Ingres, peintre auquel il devait toujours vouer une admiration sans borne. Il y acquiert une grande maîtrise du dessin qui constituera toujours une caractéristique majeure de son art.
En 1859, il part pour l'Italie où il étudie, à Florence, Naples et Rome, les œuvres du Quattrocento, et peint de nombreux portraits.
Il étudiera à fond l'art ancien, tout en programmant dès 1859 dans ses carnets, toute une liste de motifs de la vie contemporaine qu'il projette de traiter : musiciens, danseuses, deuils, cafés le soir... autant de thèmes qu'on retrouvera dans son œuvre.
Par son statut social, sa culture et sa conception artistique, Degas a beaucoup de points communs avec Manet. Plus encore que Manet, c'est un peintre de figures, il ne s'intéresse jamais au paysage.
      

En été la végétation est abondante, les arbres croulent sous le poids des feuillages, c'est la période intéressante pour exprimer par la peinture, la majesté des seigneurs de la forêt.

La méthode universelle pour peindre à l'aquarelle est de mouiller le support sur lequel l'on va réaliser sa composition. Cette méthode "humide sur humide" permet à la peinture à l'eau de s'étendre sur l'ouvrage et de provoquer des effets intéressants.

Dand le cas qui nous est proposé, l'on s'attache à humidifier abondamment le pinceau chargé de peinture et d'effectuer la composition sur un support sec. On maitrise plus facilement les effets imprévus.

- Les tons clairs du feuillage sont obtenus en mélangeant du jaune de cadmium et du bleu de prusse.

- Les tons intermédiaires avec du bleu outremer ( qui est plus profond que le bleu de cobalt) et du jaune de cadmium.

- Les tons ombrés avec l'association de bleu outremer, de jaune de cadmium et de terre d'ombre brûlée.

- Pour le tronc et les branches on associe du bleu outremer et de la terre d'ombre brûlée.

On remarquera que les verts vendus dans le commerce ne sont pas concernés.

L'autre technique consiste à utiliser une peinture presque sèche pour le feuillage. Sur le support granité de nombreux blancs vont apparaître, seules les parties en relief vont absorber la peinture, on obtient ainsi un feuillage très clairsemé et léger.

L'intéret du sketch painting n'est pas de tenter de réaliser cette peinture sur ordinateur, mais de visualiser le processus de la composition et de l'utilisation de la palette de couleurs proposée.

 De Claude Monet Rue de la Bavolle, Honfleur 1864 ( Musée des Beaux-Arts de Boston).

La ville côtière de Honfleur en Normandie, était une destination populaire pour les peintres attirés par les marines. Monet s'est installé avec l'artiste français Frédéric Bazille en mai 1864, dans cette belle région, les deux artistes mirent en place leur chevalet le long de cette côte, à la lumière particulière, sur les falaises surplombant la mer et prés de la campagne environnante. À l'automne, après le départ de son ami Bazille pour Paris, Monet peint deux versions d'une rue du village au jeu volatile d'ombre et de lumière au soleil couchant.

Tout d’abord définissons le digital painting, souvent appelé speed painting par amalgame. Il s’agit de « peinture numérique », autrement dit de la peinture réalisée sur ordinateur. Les pinceaux et la toile ont été troqués pour un bon écran et une tablette graphique. On « dessine » sur la surface tactile de la tablette graphique qui reproduit à l’écran les traits réalisés en conservant par exemple la pression du stylet, son angle d’orientation, la forme de pinceau choisie, etc… Les domaines d’applications du digital painting sont avant tout le concept art et l’illustration. C’est ce qui permet de faire cette infinité de belles illustrations que vous pouvez voir au quotidien : dans certaines publicités, sur les livres, les boîtes de jeu, les jeux vidéos, etc… ou encore de créer les univers que vous retrouvez dans vos films ou jeux vidéos préférés. Mais les applications peuvent être vastes tant qu’on touche à la création d’images numériques : matte painting, graphisme, etc… Le speed painting quant à lui est concrètement un digital painting réalisée en une cession (approximativement moins de 2 heures), le plus vite possible. Son rendu est forcément moins poussé et l’accent est mis sur la technique et la vitesse de réalisation. Certains artistes digitaux excellent en ce domaine et sont capables de peindre de magnifiques œuvres en une heure ou deux.